65. Как стать великим музыкантом?

Благотворительная стенгазета для школьников, родителей и учителей Санкт-Петербурга «Коротко и ясно о самом интересном». Выпуск 65, октябрь 2014 г.

 
 
 
1 октября во всем мире отмечается Международный день музыки. Он был учреждён в 1973 году по инициативе Международного музыкального совета – международной неправительственной организации, объединяющей профессиональные и любительские музыкальные организации всех стран. Целью этого Дня стало «распространение музыкального искусства во всех слоях общества и реализация идеалов мира и дружбы между народами, развития культур, обмена опытом и взаимного уважительного отношения к эстетическим ценностям друг друга». В нашей стране Международный день музыки стал праздноваться стараниями знаменитого композитора Дмитрия Шостаковича с 1996 года.


 

«Любите и изучайте великое искусство музыки: оно откроет вам целый мир высоких чувств, страстей, мыслей. Оно сделает вас духовно богаче, чище, совершеннее. Благодаря музыке, вы найдёте в себе новые, неведомые вам прежде силы. Вы увидите жизнь в новых тонах и красках».
 

Дмитрий Дмитриевич Шостакович (1906—1975) – выдающийся российский композитор, пианист, педагог и общественный деятель, один из крупнейших музыкальных деятелей XX века. Автор знаменитой «Ленинградской симфонии», которая прозвучала в блокадном Ленинграде 9 августа 1942 года. Исполнение симфонии стало важным событием в жизни жителей нашего героического города.


 

Сегодня у нас в гостях писатель, физик, музыкант, обладатель «абсолютного» слуха, автор ряда замечательных книг (в том числе «Физика и анатомия музыки», «Музыкальная математика древних. Поиск гармонии» и «Буравчик на звуковых волнах. Что мы слышим, и как это звучит?») – Алексей Насретдинов. Он коллекционирует «наивные» вопросы о музыке, которые присылают ему дети со всех концов нашей страны. Своими ответами на несколько таких вопросов Алексей любезно согласился поделиться с нашими читателями. «Став взрослым и почти умным, – говорит Алексей Насретдинов, – я понял, что глупых вопросов не бывает. И именно «детские» вопросы – одни из самых интересных для настоящих учёных. Вот я и попробовал собрать реальные вопросы детей первых-пятых классов. Вопросы получились бессистемными, что и понятно, зато честными – взрослые за детей их не придумывали. И я тоже постарался ответить на них честно».

– Как вам живётся с «абсолютным» слухом?

Абсолютный слух – вовсе не «самый лучший» слух, как иногда думают, а один из многих видов музыкального слуха. Это врождённая способность человека как бы «слышать нотами». Когда обладатель такого слуха слышит мелодию, он автоматически слышит или, скорее, видит ряд нот, из которых эта мелодия состоит. Вот и все. Многие музыканты вообще считают абсолютный слух вредным, так как он может плохо влиять на развитие других видов слуха и затруднять процесс наслаждения музыкой. Нет ни одного человека, который бы обладал блестящими музыкальными способностями во всех областях музыки. Кто-то легко может распознать фальшиво исполненную мелодию. Кто-то сразу может понять: на каком инструменте играют музыку. У кого-то чувство ритма работает не хуже секундомера. Все эти способности развиты у разных людей по-разному. Так что не стоит нам завидовать обладателям абсолютного слуха, и вообще – не стоит завидовать. Мы все разные, с разными способностями, и это хорошо.

– Может ли музыкант понять по голосу своего собеседника, что тот его обманывает?

Может. Человек, когда говорит неправду, неосознанно меняет тембр своего голоса, причём контролировать он это почти не может. Музыканты, хорошо различающие звучание разных музыкальных инструментов, слышат эту «фальшивую интонацию». Очень хорошо такой вид слуха развит у преподавателей театральных вузов. Не зря же знаменитый театральный режиссёр Станиславский повторял свою не менее знаменитую фразу: «Не верю!» Он не верил именно фальшивой интонации речи актёров. Надо будет спросить у актёров и разведчиков, как они тренируются!

– Почему мой голос в записи такой противный?

Когда мы говорим или поём, звук к нам в ухо попадает двумя путями: через воздух и через кости черепа. В результате мы слышим эдакую смесь двух звуков. Человек привыкает к такой смеси, к звуку своего голоса, и считает его нормальным. Когда же он слушает свой голос в записи, он слышит только те звуки, что идут через воздух. Поэтому он считает свой голос (напрасно!) «неестественным». Кстати, любая запись, даже очень хорошая, всегда менее богата, чем живое звучание. Отчётливо слышны только средние частоты звуков, а все остальные – низкие и высокие, которые человек тоже замечательно слышит, «обрезаются» или искажаются. А слушать музыку в наушниках, особенно в тех, что вставляются в ушной канал, маленьких таких, вообще опасно. Создаётся очень большое давление на барабанную перепонку. От этого постепенно, но довольно быстро, наше ухо начинает глохнуть. В общем, старайся слушать музыку «вживую», особенно ту, где у инструментов тембр особенно богат – скрипку, альт, виолончель.

– Откуда произошло слово «музыка»?

Саркофаг муз (II век нашей эры. Лувр, Париж).

Слово «музыка» происходит от греческого μουσική или «mousike», если написать латинскими буквами. Если же греческое слово совсем перевести на латынь, то получится слово «musica». Это слово на русском языке и звучит как «музыка». Греческое слово произошло от слова «муза». То есть «музыка» – это то, чему покровительствуют, чем занимаются «музы». Музы, по греческой мифологии, покровительствовали не только музыке в нашем, современном понимании. Они покровительствовали и наукам и много ещё чему. Слово «Музы» переводится с древнегреческого как «мыслящие». В древнегреческой мифологии «мыслящие Музы» – это дочери бога Зевса и Мнемозины, богини памяти. Зевс же вырабатывал атмосферное электричество. Греки считали, что муз было девять. И занимались они каждая своими делами. Каллиопа – эпической поэзией. Эвтерпа – лирической поэзией и музыкой. Мельпомена – трагедией. Талия – комедией. Эрато – любовной поэзией. Полигимния – пантомимой и гимнами. Терпсихора – танцами. Клио – историей. Урания – астрономией. Если переводить слово «музыка» так, как его понимали древние греки, то и поэзия, и театр, и танцы, и история, и астрономия – все это музыка. Вообще, все науки и искусства – это музыка. На самом деле, это так и есть. Удивительная музыка звучит в красивейших физических и математических теориях, об этом знают все уважающие себя учёные. Взять хотя бы «теорию относительности Эйнштейна», абсолютно совершенная вещь, не хуже фуг Баха. Архитектура – музыка в камне. На санскрите, древнем языке индийцев, музыка – это «застывшая математика». А индийская музыка сейчас является самой древней из существующих. Рояль или орган невозможно хорошо настроить без хорошего знания физики и математики. Точнее, невозможно придумать подходящий музыкальный строй и нужное количество клавиш для них. Так что древние греки были весьма умны.

– Кто и как придумал ноты?

На фото – армянские невмы из рукописи XII века.

Это очень простой вопрос. И, одновременно, как и всякие хорошие вопросы, очень сложный. Нет одного человека, который придумал автомобиль. Кто-то придумал колесо, кто-то способ соединения колёс в повозку, кто-то двигатель автомобиля. И таких людей было очень, очень много за всю историю человечества. Такая же ситуация и с нотами. Люди с древних времён пели. Мама пела ребёнку колыбельную, были ритуальные песни и танцы перед охотой, войной. Все эти мелодии, песни, музыка или сочинялись на ходу или передавались от одного человека к другому устно, на слух. Но потом, постепенно, люди захотели передавать музыку, песни более точно. Тогда-то и появились первые попытки записать звуки знаками. Вначале просто отмечали, куда идёт мелодия – выше или ниже. Такие пометки назывались «нéвмы» и использовались в Европе, Византии, на Руси, в Армении и других местах. Вот как они примерно выглядели.

Но, как мы понимаем, такой способ описания мелодии не очень точен. Выше какого-то звука может быть множество звуков. И ниже тоже. В XI веке в Италии, в городе Арéццо жил монах Гвидó. Звали его, естественно, Гвидо д’Ареццо, Гвидо из города Ареццо. В монастыре Гвидо обучал мальчиков пению. Каждое утро они начинали с распевки. В качестве распевки они использовали «гимн святому Иоанну». Слова гимна для нас тоже имеют значение. Хоть ты и не знаешь итальянского языка, я все равно приведу текст гимна, это интересно. Многие буквы ты узнаешь. Это гимн-молитва о том, чтобы Святой Иоанн (покровитель пения) помог звучать голосам певчих, которые будут восхвалять Господа, восхвалять без хрипоты. Каждую строчку гимна мальчикам нужно было петь чуть выше предыдущей. Но они путались и фальшивили. Потом плакали. Чтобы помочь своим ученикам запоминать мелодию, Гвидо решил записать высоту звуков на бумаге, дав каждому звуку название. Так можно было петь, подглядывая в шпаргалку.

Памятная доска на доме, в котором жил Гвидо.

Первые слоги каждой строчки первого куплета гимна Гвидо разместил на четырёх линеечках – в виде квадратных значков. Четыре линейки использовались как ступеньки, а на них, как на лесенке, располагались квадратные значки-ноты, каждая из которых соответствовала звуку определённой высоты. Гвидо использовал красные, черные и жёлтые линеечки для размещения нот. Он создал для детей понятный и наглядный музыкальный алфавит. Теперь имя Гвидо Аретинского знают все музыканты мира.

Современная нотная запись.

Со временем, вплоть до настоящего времени, нотная запись Гвидо совершенствуется. Все линейки и значки рисовали черным цветом, значки стали круглыми, добавили пятую линейку на нотном стане и палочки, обозначающие длительность нот. Многое изменилось. Но название основных нот (до, ре, ми, фа…) сохранилось по сей день. Спасибо тебе, Гвидо!

У разных инструментов – фортепиано, органа, гитары, барабанов и других – нотная запись выглядит по-разному. Конечно, есть своя специфика, например, на барабане стучать – это вам не гимны петь! Но это мы с тобой говорили про Европу. В Китае, например, 12-нотный музыкальный звукоряд Люй-Люй сформировался за несколько тысяч лет до нашей эры, задолго до создания европейского. Система нотной записи во времена Конфуция (VI век до нашей эры) была очень богатой, она не ограничивалась лишь информацией о высоте звука и его длительности, как принято сейчас, а указывала, как нужно брать звук, какой тембр и громкость звука должны быть и много других параметров. Были свои способы записи нот и в Индии, и во многих других культурах. Об этом можно долго рассказывать. Лучше, если ты подрастёшь и сам прочитаешь о замечательной культуре Китая, Индии, Японии, древней Греции и других прекрасных мест.

– Правда, что у других народов вовсе не семь нот?

Правда. Например, у арабов 17 нот. У индийцев целых 22 ноты. Древние индийцы считали, что звучание музыкальных инструментов должно быть очень схожим с человеческим голосом, возможно, поэтому в индийской музыкальной культуре так много нот. А в китайской – всего 5 основных нот. Число «пять» китайцы считают священным: у них пять основных планет, пять стихий, пять вкусов, цветов, органов чувств… Музыка в Китае всегда считалась делом государственной важности. При императорском дворе было целое музыкальное «министерство». Из числа известных музыкантов назначались чиновники, которые ездили по стране и настраивали все музыкальные инструменты. Китайская музыкальная традиция насчитывает несколько тысячелетий, возможно, она самая древняя в мире. Да, кстати, «у нас» вовсе не семь нот, а 12 – посчитайте количество клавиш на рояле в пределах одной октавы: семь белых и пять чёрных!
 

На фото – небольшой участок клавиатуры рояля – октава.

Для начала вспомним, как вообще выглядит клавиатура фортепиано, пианино, рояля. У рояля 88 клавиш и они разбиты по октавам. В каждой октаве есть ноты: До, Ре, Ми, Фа, Соль, Ля и Си. Ноты называются, например, так: Ля первой октавы или Фа контроктавы. Все это относится к белым клавишам рояля. Черные клавиши более узкие и находятся чуть дальше и чуть выше белых. Кстати, не всегда они были черными. Раньше иногда красили белые клавиши в черный цвет, а черные делали белыми. Но сейчас мы привыкли именно к такому виду. От До одной октавы до До следующей октавы добавлено ровно 12 клавиш: 7 белых и 5 черных. Можно было бы сделать 6 белых и 6 черных, музыка была бы та же самая. Эти 12 клавиш в одной октаве позволяют нам играть практически любую музыку. На скрипке нет клавиш, но на ней музыканты играют точно по тем же 12-ти нотам в пределах одной октавы. Разбивка на белые и черные клавиши носит условный характер, так сложилось. А почему так сложилось? Всё дело в том, что наша европейская музыка является развитием древнегреческой, пифагорейской музыки. Пифагор в VI веке до нашей эры обратил внимание на связь между звуками и математическими величинами и придумал музыкальный строй, набор звуков, с помощью которого было бы удобно играть музыку – 7 звуков в пределах октавы, что приблизительно соответствуют нашим семи белым клавишам на пианино. Но играть по 7-ми нотам вовсе не обязательно. Китайцы играли по 5-ти нотам (пентатоника), арабы по 17-ти, индийцы по 22-м. Просто нам так привычнее, и все. Вот из-за привычки играть по 7-ми нотам и образовались семь белых клавиш рояля. Но расстояние между белыми клавишами получилось неодинаковым. Между До и Ре – один тон, между Ми и Фа – полтона. Чтобы у нас была возможность играть в любых тональностях, начинать нашу музыку с любой ноты, нужны дополнительные клавиши между белыми, там, где расстояние между ними большое, тон. И получилось 5 дополнительных черных клавиш. Но, повторюсь, разбивка эта не имеет почти никакого значения. На гитаре, скрипке, арфе, флейте таких разбивок нет, а музыку на этих инструментах можно играть не менее замечательную, чем на фортепиано.

– Каким был самый первый музыкальный инструмент?

Пан со своей флейтой. Иллюстрация из книги «История Греции для мальчиков и девочек», 1910-е годы.

Давай попробуем поразмышлять вместе. Конечно, никто не знает, какой музыкальный инструмент был самым первым. Когда он появился, ещё не было музыки, не было и специальных инструментов для проигрывания музыки. Поэтому люди использовали подручные средства, то, что лежало рядом. Что находится ближе всего к человеку? Сам человек. И вот человек использовал сам себя в качестве музыкального инструмента. Он пел, кричал, цокал и издавал самые разнообразные звуки, подражая звукам природы и голосам птиц и зверей. Вторым инструментом был, скорее всего, барабан или просто ударные инструменты. Можно было стучать маленькой косточкой мамонта по большой кости белки, ритмично. Вот и получался ритм, получалась музыка. Третьим видом инструментов были, видимо, духовые инструменты, всякие дудочки, рожки и флейты. Согласно греческой мифологии, первый музыкальный инструмент — пастушью дудку — изготовил бог Пан. Однажды на берегу он, играя с трубкой тростника, выдохнул сквозь тростник и услышал, как его дыхание, пройдя по стволу, произвело печальный звук. Он разрезал ствол на неравные части, связал их вместе, и вот уже у него был первый музыкальный инструмент! Он называется «флейта Пана».

Жан-Луи Дусис. Орфей и Эвридика, 1826 год.

Лира Орфея, четырёхструнный музыкальный инструмент, была очень популярна в древней Греции. Может быть, там её и придумал какой-нибудь грек. Но сейчас археологи считают, что первые струнные музыкальные инструменты, маленькие арфы, были созданы в Междуречье, на территории современного Ирана. Их возраст около четырёх тысяч лет. В Китае же, согласно легенде, Жёлтый император Хуан Ди четыре тысячи лет до нашей эры создал первый музыкальный строй и первые музыкальные инструменты. Две птицы, фениксы, самец и самка, понадкусывали стебли бамбука в нужных местах и создали 12 флейт с разными звуками. Создали первую гамму, шесть мужских нот и шесть женских. Потом Хуан Ди приказал отлить колокола со звучанием таким же, как у флейт. Археологические находки в Китае также говорят о том, что первые флейты и первые колокола были созданы за тысячи лет до нашей эры. А вообще, все музыкальные инструменты хороши. Нужно только уметь на них играть. Можно изобразить отличный ритм даже на крышке школьной парты или на лысине дедушки.

– Какой инструмент самый современный?

Современный синтезатор.

На протяжении всей истории человечества люди придумывали великое множество всяких музыкальных инструментов. Все они были очень разными, и ударные, и духовые, и струнные. Органы, скрипки, лютни, клавесины, банджо и многие, многие другие. Но все эти инструменты объединяло одно – звук их был естественным, натуральным. Что-то природное, натянутая струна, трубка или колокол звучали сами, нужно было только научиться извлекать из них звук. Но примерно с середины XX века с развитием техники и электроники появились совсем новые музыкальные инструменты. В них не было звучащего объекта, не было ни струн, ни звучащих трубок. В них звук синтезировался. Такие инструменты называют синтезаторами. С помощью этих инструментов, скорее даже компьютеров, можно было создавать любые звуки, самые разнообразные. И похожие на звук рояля, скрипки или саксофона, и даже такие звуки, которых раньше совсем не существовало. А у тебя есть компьютер? А синтезатор? Звук создаётся, синтезируется, а потом через усилитель звука подаётся на акустические колонки, откуда мы его и слышим. Ты такие колонки видел или рядом с компьютером папы, или рядом с телевизором мамы.

Крис Форстер и его «Крисалис».

Но многие люди, особенно музыканты (и я в том числе), больше любят звук не от синтезатора, а от живого, настоящего инструмента. И сейчас есть много людей, придумывающих замечательные инструменты, акустические, не электронные, не синтезаторы. Одним из таких увлечённых изобретателей, музыкантов является наш с тобой современник американец Крис Форстер. Он изготовил и сам исполняет музыку на своём инструменте, который называется «Крисалис». Этот инструмент тоже можно назвать самым современным. Вырасти, и создай свой собственный инструмент, который тебе понравится!

– Какой инструмент самый громкий?

Ты наверняка видел самые разные музыкальные инструменты, и большие и маленькие. Рояль, орган, скрипку, флейту, барабан. На каждом из них можно сыграть так громко, что уши заложит. Но тебе ведь хочется понять – какой из них самый-самый громкий? Ведь хочется? Ааа… На первый взгляд кажется, что самый большой инструмент и будет самым громким. Это почти совсем так. Почти. Самый большой инструмент – орган. В нем много труб, и больших и маленьких, воздух через них продувается не силой человека, не силой его лёгких, а с помощью электрических моторов. А у них мощность может быть почти любой.
 

Орган собора Сен-Этьен (Тулуза, Франция)

Вот как выглядит орган. Из всех существующих сейчас органов самый большой находится в Атлантик-Сити, в Америке. Вроде бы получается, что он и будет самым громким. Но не все так просто. Мы, люди, низкие, высокие и средние звуки слышим по-разному. Совсем низкие звуки (инфразвук) мы не слышим, даже если их мощность будет очень большой. От них может колыхаться живот, а уши такие звуки почти не слышат.

Музыкант играет на флейте пикколо.

И совсем высокие звуки мы тоже не слышим, это уже не звук, а ультразвук. А лучше всего мы слышим звуки, находящиеся в верхнем регистре рояля, в правой части клавиатуры. Такие звуки соответствуют частоте в 2,5-3 тысячи Герц. Вот эти-то звуки мы слышим очень хорошо, даже слишком хорошо. И мощность звука на такой высоте для того, чтобы оглушить нас, нужна в тысячи раз меньше, чем у низких звуков труб органа. Таким частотам соответствует маленькая флейточка, называемая пикколо. Несмотря на то, что человек не может дудеть в неё с такой же силой, как орган, мы воспринимаем звуки этой флейты как очень громкие. Можно сказать, что это самый громкий музыкальный инструмент, и опять мы будем правы. Но это я говорил про акустические музыкальные инструменты. Есть ведь ещё электромузыкальные. В таких инструментах звук синтезируется компьютером и передаётся через усилитель на акустические колонки. Для таких инструментов практически нет ограничений по громкости, звук можно сделать любой громкости. На стадионах во время рок-концертов иногда звук бывает таким громким, что птицы облетают стадион за километр. Да и людям несладко приходится, и летают они неважно. А если немного пофантазировать, то самый громкий музыкальный инструмент у нас в Солнечной системе – это наше Солнце. На его поверхности возникают огромные пузыри, поверхность Солнца кипит. И от этого рождается звук такой силы, что если бы мы находились в атмосфере Солнца и не умерли бы от жары (а там довольно тепло, несколько тысяч градусов), то точно бы умерли от страшного грохота.

– Почему на струнных инструментах разное число струн?

Школьник играет на арфе на Международном детском музыкальном фестивале в Колумбии.

Самый простой ответ на твой вопрос – потому, что на разных инструментах играют разную музыку. Но давай посмотрим чуть подробнее. В древнегреческом музыкальном инструменте Орфея (лире) струны были «свободными». То есть их никак не пережимали во время игры. Сколько струн у такого инструмента – столько и музыкальных звуков можно с их помощью извлечь. Но уж очень много все равно не получится. Вот в этих инструментах и их потомках и делали разное количество струн – столько, сколько нот хочется сыграть. Наверное, самый богатый инструмент из этого ряда – современная арфа. В ней очень много струн, около 46-ти. И на ней играть непросто. Зато звук красивый и можно сыграть любую мелодию, какую захочешь. Сколько струн, столько и нот, например, у фортепиано и рояля.

Старинные монохорды в Берлинском музее музыкальных инструментов.

Если же параллельно струнам поместить какую-нибудь дощечку, то струны можно к ней прижимать, укорачивать звучащую струну. А более короткая струна будет звучать выше, чем свободная. Таким образом, можно извлекать звуки почти любой высоты. Такое простое приспособление – дощечка, параллельная струнам, гриф – очень сильно обогатило музыкальную культуру. Если раньше нам приходилось для каждого нового звука делать свою струну, то теперь модно просто пережимать её в нужном месте и всё. В принципе, для одноголосной мелодии достаточно и одной струны. И такое бывало в истории. Самый известный однострунный музыкальный инструмент – монохóрд, с ним производил музыкально-математические опыты Пифагор. На Руси играли на смыке, похожем на лук, и так далее. Но все же одна струна – это скорее экзотика.

«Слушающие цинь». Рисунок китайского императора Чжао Цзи, XI век.

На одном из самых древних струнных музыкальных инструментов, китайской цитре Цинь, рождённой за многие тысячелетия до нашей эры неким китайцем, возможно, его звали император Хуан Ди, было 5-7 струн. Техника игры на ней очень сложна. Это было и остаётся настоящим искусством. Одним из больших мастеров игры на Цинь был древний мыслитель Конфуций. На древних струнных музыкальных инструментах играли, в основном, мелодии. И играли их не по всем существующим сейчас в гамме 12-ти нотам, а по семи, как было принято в Греции, или по пяти, как в Китае, или по 7+15-ти, как водилось в Индии. Аккорды, к которым мы сейчас привыкли, вообще не брались. Когда же музыкантам захотелось брать сложные аккорды, родились инструменты, похожие на современную гитару и новые музыкальные строи. С грифом и порожками. В ней делалось столько струн, чтобы аккорды, которыми сопровождалось пение, звучали красиво. Обычно хватало шести или семи струн. На бас-гитаре аккорды не берутся, там играют отдельные ноты. И хватает четырёх струн, очень толстых. Когда же появился современный музыкальный строй с 12-ю нотами (расстояние между соседними нотами у которых одинаковое), музыканты стали играть музыку в разных тональностях, переносить музыку выше или ниже. Такая музыка уже требовала других инструментов, где легко было бы брать любую ноту. Классическим вариантом такого инструмента является рояль. В нем ноты (клавиши) расположены подряд. В октаве 12 нот и октав несколько. Вот и получается у рояля очень много – 88 – струн (точнее, струн немного больше, есть двоенные и строенные одинаковые струны, для увеличения громкости звуков). Возвращаясь к началу разговора: для разной музыки нужны и разные музыкальные инструменты. И разное количество струн. Вот так.

– Почему шмель жужжит, а комар – пищит?

Шмель в полёте.

Перефразируя твой вопрос, можно спросить: почему от крыльев шмеля в полёте исходит низкий звук, а от крыльев комара – высокий? Что такое звук? Это звуковая волна. Помнишь волны на озере? Вот и в воздухе есть такие же волны, только их не видно. Поэтому и звука не видно. Зато слышно. На озере были большие волны и мелкая рябь, совсем маленькие волны. У длинных, больших волн не часто сменяются гребни и впадины на воде, а у коротких волн – часто. У волн на озере меняется высота, а в воздухе меняется давление. Учёные даже придумали специальное название – частота волны. Попробуй помахать рукой туда-сюда. Скорее всего, за одну секунду ты сделаешь движение раза три-четыре. Это означает, что ты создал звуковую волну с частотой 3–4 Герц. Герц – международная единица измерения частоты периодических процессов (например, колебаний). Она названа в честь немецкого учёного-физика XIX века Генриха Герца. Одно колебание в секунду – один Герц; обозначается так: 1 Гц. Если 200 раз в секунду – то 200 Гц, все просто. Правда, мы с тобой не сможем махать руками так часто – 200 раз в секунду. Ты заметил, что созданные тобой волны мы не слышим? Наше ухо устроено так, что мы не все звуки природы можем слышать. Ниже 20 Гц (очень низкий звук, еле слышный гул) не слышим и выше 20 тысяч Гц (очень высокий писк) – тоже не слышим. Его слышат только дети, вот ты слышишь. А взрослые уже выше 12–15 тысяч Гц звуки не слышат. На то они и взрослые. Итак, ты можешь махать руками 3–4 раза в секунду, с частотой 3–4 Гц. Шмель машет крыльями чаще – 200 раз в секунду. А комар ещё чаще – 500 раз в секунду. Чем выше частота, тем более высоким получается звук. Шмель машет крыльями относительно медленно, и мы слышим низкий звук, басовитое жужжание. А комар машет крыльями быстро, и мы слышим высокий звук, писк. Птицы же машут крыльями, как и люди рукой, медленно – меньше 20 раз в секунду. Вот мы и не слышим, как они летают. Мы же не можем слышать звуки ниже 20 Гц. Но есть особенные птицы, очень маленькие – колибри. Они могут махать крыльями 80 раз в секунду, создавая звук с частотой 80 Гц. И этот звук мы замечательно слышим – такой низкий, гудящий звук, похожий на звук полёта шмеля или толстой зелёной мухи.

– Почему поросята пищат так громко?

В Средние и не очень средние века англичане, которые плавали в тумане на кораблях вокруг своей Великой Британии, ничего не видели вокруг, как не сложно догадаться. Они отплывали подальше от берега, чтобы не врезаться в камни, но тогда они могли врезаться в другой английский корабль. Нужна была сирена. Сирен не было. Зато были свиньи, которые, если покрутить им хвост, издавали пронзительный визг. Его-то и улавливали чуткие уши англичан, находящихся на другом корабле, скрытом в тумане. Английские свиньи верещали, да и сейчас верещат, высоким звуком приблизительно одной частоты. Звуки примерно четвертой октавы рояля, с частотой 2-3 тысячи Гц. Почему свиньи такие полезные? Ведь можно крутить хвост и быку, чтобы он мычал. Или заставить корабельного юнгу кричать в рупор: «К вам приближается новый объект». Нет. Свиньи лучше быков и юнг. Чем же лучше? Человек, как ты помнишь, не слышит очень низкие звуки, инфразвук (ниже 20 Гц) и очень высокие, ультразвук (выше 20 тысяч Гц). Значит, где-то посередине должны быть такие звуки, которые человек слышит лучше других. Это абсолютно так же, как и со светом: человек лучше всего видит зелёный и жёлтый свет, инфракрасный и ультрафиолетовый – не видит. Звуки, которые человек лучше всего слышит, как раз и соответствуют высоте звуков, с которыми визжат свиньи, – примерно 2,5 тысячи Гц. Вот и получается, если все звери, включая людей, будут кричать или визжать с одинаковой силой (конечно, это несколько вольное предположение), то выбрать нужно из всех зверей, издающих звуки, тех, которых луче всего слышит человек. Повезло свиньям. Кстати, примерно на такой же, свинячей, частоте (2,5 тысячи Гц) пищат человеческие младенцы. Видимо, это не случайно. Чтобы мама хорошо их слышала. Со временем, когда появились механические сирены, всех английских свиней выпустили на берег, там они теперь и живут.

Со свиньями всё понятно. А теперь немного про оперных певцов. У хороших певцов ярко выражены в их пении самые хорошо слышимые человеком звуки – в диапазоне 2-3 тысячи Герц (верхняя певческая форманта). То есть, на эту область частот приходится бóльшая часть энергии звука, по сравнению с не-оперными певцами, поющими для себя или для соседей в ванной комнате. Именно этому и обучают оперных певцов – умению закачивать в область 2-3 тысячи Герц энергию звука, чтобы слышно их было хорошо, даже на фоне симфонического оркестра. Впрочем, учат их не только этому – например, итальянскому языку, каллиграфии, массажу ушей и многому другому. Звук голоса людей, у которых ярко выражена именно «верхняя певческая форманта» – звонкий, «летящий», «звенящий». Такие голоса были у пионеров и у Шаляпина.

– Почему рок назвали «тяжёлым»? Что, есть и «лёгкий»?

Группа «Лед Зеппелин», одна из основательниц «тяжёлого рока». 2007 год.

Само слово «рок» – английское, на русский язык переводится, как «качать», «укачивать». Но рок-музыка – это не колыбельная, под неё сложно заснуть. Но почему же её так назвали? Рок-музыка – это такое общее название для многих видов современной музыки. Произошла она от блюза. А блюз родился в Америке, он вобрал в себя и негритянскую музыку, и европейскую. У блюза был необычный для европейского уха ритм, такой – качающийся. Сильные доли музыки приходились не на первые доли, а на вторые, это придавало необычное дыхание музыке. Но главное, что было в этой музыке – это ритм. Ритм в классической европейской музыке всегда играл не первую роль, а второстепенную. Здесь же он стал одним из самых главных элементов. Из блюза родилась первая рок-музыка – рок-н-ролл. Ритм рок-н-ролла стал ещё более жёстким. Такая музыка очень энергична, под неё хочется танцевать, кричать, веселиться и шуметь. Если ещё больше внимания уделить ритму, то в составе инструментов музыкальной группы должны быть бас-гитара и ударная установка – тогда получится уже «тяжёлый рок», или как его ещё называют, «хард-рок». Как ты понимаешь, на ударной установке и на электро-гитаре невозможно играть тихо. Такая музыка была очень громкой, её исполняли на стадионах и на больших открытых площадках. Многим классическим музыкантам эта музыка не нравилась, ведь поведение людей при прослушивании такой музыки совсем было не похоже на поведение людей в филармонии и консерватории, где люди сидят тихо, и молча слушают музыку. А на рок-концертах люди танцевали, кричали, пели, вели себя шумно. Из этого, конечно, не следует, что рок музыка плохая. Как и любая другая музыка, она может быть и хорошей и плохой. Группы «Куин», «Лед Зеппелин», «Дип Пёрпл» и многие другие состоят из замечательных, талантливых музыкантов. Но есть, конечно, много и бездарных коллективов, которые просто создают шум, очень громкий шум, на пределе слышимости, на пределе болевого порога человека.

Из «тяжёлого рока» родилось ещё несколько направлений: хеви-метал, глэм-метал. Это «ещё более тяжёлый рок». Музыканты таких групп играли очень громко, часто мелодия и слова угадывались с трудом. С музыкальной точки зрения такие группы не очень интересны. Термин «рок» очень широк. Иногда к такой музыке относят и музыку «Битлз», достаточно мелодичную, с незамысловатыми словами. Прекрасного композитора Эндрю Ллойда Уэббера тоже иногда называют рок-композитором. Он сочинял совсем разную музыку, от знаменитой рок оперы «Иисус Христос – суперзвезда» до мюзикла «Кошки». К рок-музыке относят и очень сложную, непростую музыку «Кинг Кримсон» и панк-рок, где почти не улавливается мелодия. Короче говоря, тяжёлый рок – это музыка «Лед Зеппелин», «Дип Перпл» и их ближайших последователей. А музыка их предшественников – «Битлз», «Роллинг Стоунз» или далёких последователей, вроде группы «А-Ха» – гораздо более «лёгкий рок».

– Почему японская и индийская музыка такая длинная?

Музыкант играет на старинной японской флейте.

Непросто ответить на этот вопрос. С чего бы начать? Ну, давай начнём с истории. Вплоть до V века до нашей эры острова Японии были заселены рыбаками и земледельцами. Примерно с этого времени в Японию начинает просачиваться культура Китая, появляется конфуцианство, потом буддизм, развивается искусство, музыка, театр и многое-многое другое. Самая древняя японская музыка, которую я знаю, это музыка «гагáку». Это не народная японская музыка, а императорская, ритуальная, проникшая из Китая. Музыка не простая, нам сейчас её слушать не очень привычно. Больше всего мне нравится звучание флейты фуэ. Совсем не похожая на современную, эта музыка создана не для удовольствия. А сейчас почти вся музыка, которую мы слушаем, пишется для того, чтобы мы получили удовольствие. В древние же времена в Японии игра на флейтах фуэ служила для совсем других целей – для дзен-буддистских медитаций в сопровождении музыки. Японцы говорили: «Играя на фуэ, видишь невидимые сферы, во всей Вселенной — только одна песня». Такой подход не похож на современный европейский, но очень похож на индийский. То есть, суть такой музыки – не получение простого удовольствия, а духовная практика, способ развития своих творческих способностей. Медитативные практики были очень длинными и требовали спокойствия. И музыка нужна была такая же – длинная и настраивающая на созерцание. В Индии примерно такая же история с музыкой, как и в Японии, в Китае. Музыка там всегда считалась лишь частью учения о здоровье человека, физического, психического и духовного. С помощью занятий йогой и музыкой человек старался достичь духовного просветления. Так считали древние индийцы. Да и современные индийцы многие так полагают. Другие задачи, другой настрой, вот и музыка рождается другая. С непривычки такая музыка кажется очень длинной, монотонной. А, может, и впрямь она очень длинная и монотонная – по сравнению с популярной эстрадной или даже классической, академической. Музыка Моцарта или квартета «Битлз» порождает в нас множество самых разных эмоций, она кажется нам более энергичной, более содержательной и интересной, чем старая японская музыка. Уверяю тебя, японская традиционная музыка ничем не хуже, чем древнегреческая музыка, чем музыка классиков: Гайдна, Моцарта, Бетховена, Прокофьева. Просто она другая, медитативная, настраивающая на одну волну.

– Сколько лет надо учиться на музыканта?

«В траве сидел кузнечик…»

Кажется, что это очень сложный вопрос. На самом деле он очень простой. И, как ни странно, музыка здесь вообще не причём. Если ты хочешь заниматься чем-то в жизни серьёзно, стать профессионалом, специалистом в своём деле, то этим можно лишь начать заниматься – а закончить уже невозможно. Музыканты учатся всю свою жизнь: у своих учителей, самостоятельно, у своих учеников. И учёные всю жизнь учатся, очень часто учатся у своих учеников. Ты думаешь, твоя учительница в школе не учится у вас, детей? Ещё как учится! И не ясно, кто больше получает на уроках – вы или она. Помнишь, как сказала Алиса у Льюиса Кэрролла в «Алисе в стране чудес»: «Нужно бежать со всех ног, чтобы только оставаться на месте, а чтобы куда-то попасть, надо бежать как минимум вдвое быстрее!» Это как раз про учёбу. А если серьёзно, то, чтобы начать получать удовольствие от игры на музыкальном инструменте, например, на рояле, нужно заниматься минимум 2-3 года. Тогда тебя перестанет раздражать твоё неумение извлекать приличные звуки из инструмента, и ты сможешь играть не очень сложные технически (но от этого не менее замечательные) музыкальные произведения. Чем больше ты будешь учиться музыке, чем лучше станет исполнительская техника, чем глубже ты поймёшь разных композиторов, тем большее хорошей музыки ты сможешь исполнить. А может быть – и сочинить что-нибудь своё. Это тоже здорово. То, что в средней музыкальной школе музыке обучают 8 лет, в музыкальном училище 2 года, в консерватории 5 лет – ничего особенно не означает. Это условности. Но в любом случае до приличного профессионального уровня музыкой нужно заниматься не менее 10-15 лет подряд и очень напряжённо. Зато потом какое счастье! Какая свобода! Целый мир! Не жалей времени для занятий музыкой!

– Можно ли, занимаясь музыкой, улучшить и другие свои способности?

Можно. И нужно. Известно, что у головного мозга множество разных областей, есть и две половинки, и работают они по-разному. Одни участки мозга отвечают за логическое мышление, другие – за образное, третьи – за эмоции и так далее. Когда ребёнок учится музыке и сам музицирует, в его мозге строятся многочисленные «мостики» между разными участками мозга (синаптические связи). Эти мостики он успешно использует и при занятиях другими видами деятельности, и потом во взрослой жизни. Можно сказать, что «музыка тренирует мозг». Такой ребёнок легче решает задачки, где требуется найти какие-то необычные решения. Очень многие, почти все талантливые учёные, придумавшие что-то действительно новое, сами играли на музыкальных инструментах, любили музыку.

– А можно ли ещё в детстве стать великим музыкантом?

Маленький Моцарт на гастролях с отцом и сестрой.

Все великие взрослые музыканты были когда-то детьми. Может быть, они были в своё время и великими маленькими музыкантами, но это вряд ли. За всю историю известно не так много великих музыкантов, которые проявили бы выдающиеся способности в раннем детстве. Обычно они долго трудились и развивали свои природные данные. Самый известный музыкант, способности которого проявились очень рано, это, конечно, Моцарт. Он сочинял музыку и виртуозно её исполнял уже в четыре года. Со временем его талант только креп, пока Моцарт не умер. Потом уже не креп. Вундеркиндом был также и Ференц Лист. И сейчас есть очень способные музыкальные дети. Американская девочка Джеки Иванко, певица-сопрано, уже в двенадцать лет поёт очень сложные арии, выступает на огромных сценах. Есть музыканты-вундеркинды сейчас и в России, в Китае и во многих странах. Но, чаще всего, неизвестно почему, из таких детей редко вырастают великие музыканты. Хорошие – да. Где-то они останавливаются в своём развитии. Скорее всего, такие дети просто очень быстро развиваются, а скорость здесь – не главное.

Так как маленькому человеку стать великим музыкантом? Прежде всего, стоит подумать хорошенько – а хочешь ли ты стать великим музыкантом? Ведь жизнь у них очень сложная. Они постоянно переезжают с места на место, колесят по всему миру, живут в гостиницах, у них нет дома, они редко общаются с друзьями и родными, им просто некогда. Это очень тяжёлая работа, тяжёлая жизнь. Ну, допустим, ты все же решил стать великим музыкантом. Тогда тебе следует сходить в хорошую музыкальную школу или консерваторию и проверить свой слух, свои музыкальные способности. Если способности оценят высоко – хорошо, это следующий шаг, можно двигаться дальше. Но если их оценят не очень высоко – это ещё ничего не значит. Приведу лишь один пример. Выдающегося дирижёра Валерия Гергиева в детстве несколько раз изгоняли из разных музыкальных школ за «полное отсутствие способностей». Что не помешало ему стать действительно великим музыкантом, просто он был настолько не похож на стандартных детей, что его способности обычные учителя музыки не могли правильно оценить. Правда, это, скорее, исключение из правил.

Итак, у тебя нашли хорошие музыкальные способности. Теперь нужно найти хорошего учителя музыки. Но не просто хорошего, а подходящего тебе. И чтобы ты учителю подходил. Ведь вам предстоит проводить очень много времени вместе в ближайшие десять лет или больше. Может быть, с таким учителем ты будешь проводить больше времени, чем с папой и мамой. В Индии говорят, что выбор учителя, гуру, определяет всю дальнейшую жизнь человека. Ты выбрал учителя. Точнее – Учителя, с большой буквы. А Учитель выбрал тебя. Теперь тебе предстоит долгие годы, каждый день упорно заниматься музыкой под его руководством. Это совсем не простое дело. Ты захочешь и полентяйничать, и поиграть в футбол или в игру на компьютере, тебе не будет хватать времени на многие вещи. Но ты должен будешь упорно заниматься музыкой. Иначе нельзя. То же самое относится и к спорту, и к математике, и к чему угодно. Способности – Учитель – Упорство. Вот так и получаются великие музыканты, великие учёные, великие спортсмены.

И, кстати, не верь, если тебе скажут, что тебе «медведь на ухо наступил». Это опасное заблуждение – считать, что что-то тебе «не дано». Умение петь нефальшиво практически никак не связано с наличием у человека слуха. Просто ему нужно «поставить голос». Это хорошо делают любые преподаватели в хоре или учителя по сольфеджио. Одному нужно тренироваться дольше, другому – меньше. Но получится у всех, при должном усердии. Комплексовать тут нечего. Мы все разные. В идеале очень полезно ориентироваться на известное изречение Иоганна Себастьяна Баха: «Мне пришлось очень прилежно заниматься: кто будет столь же усерден, достигнет того же».

– Как музыка появляется у композитора в голове?

«Светильник Джека» из тыквы в Хэллоуин.

Конечно, каждая отдельная музыка появляется в голове у каждого отдельного композитора по-разному. И вряд ли я смогу ответить за всех композиторов, ведь я даже и не композитор, хотя сочинять музыку люблю, импровизирую и играю на музыкальных инструментах. Но все же можно какие-то общие закономерности выделить. Скажем, почти у всех композиторов есть голова.

Давай на время забудем о музыке. Возьмём… Ну что возьмём? Например, рисование. Вот тебе не так уж много лет и тебя попросили написать маслом поясной портрет Филиппа Киркорова. Дадут тебе холст, набор красок и скажут – рисуй. Боюсь ошибиться, но, вероятно, Филипп Киркоров будет недоволен полученным результатом. А почему? Скорее всего, получится не очень похоже. А почему? Да потому, что ты ещё не умеешь рисовать портреты. А почему? Потому, что этому нужно долго учиться.

Вначале в художественной школе учат рисовать простые предметы: шары, кубы, гипсовые барельефы. Карандашом или углём. Без цвета. Параллельно изучают строение тела человека, пропорции в природе. Изучают композицию. Свойства красок и лаков. Много чего изучают. И лишь потом, когда ты научился рисовать простые вещи, можно переходить к сложным. Дальше и начинается творчество. Хороший художник постарается схватить эмоцию, впечатление. На хороших портретах видно и то, о чём нарисованный человек думает, какой у него характер. Здесь одной техники рисования не достаточно, нужен талант. Но этот талант не может быть реализован без долгих лет ученичества, без долгой работы над собой.

Такая же ситуация и с композитором, и его головой. Нет такой профессии – композитор. Сначала все будущие композиторы просто учатся играть на каком-то музыкальном инструменте: рояле, скрипке или на барабане. И изучают теорию музыки, историю музыки, учатся петь, изучают звучание различных инструментов. Может показаться, что то, чему их учат, не очень нужно. Но без знаний того, как устроены музыкальные произведения, без знания музыкальной гармонии тяжело даже хорошо исполнять музыку, не говоря уж о том, чтобы её сочинять. Как правило, композиторы перед тем, как сочинять свою музыку, исполняют и изучают чужую, учатся передавать свои эмоции другим людям. А дальше опять включается талант. Это как искра, как неосознанная идея, как образ, который рождается в голове у композитора. Музыка может возникнуть из сна, из яркого впечатления или переживания. Такие образы рождаются, наверное, у всех людей. Но это семечко, эта идея должна упасть на подготовленную почву. Если человек – музыкант, он может сочинить музыку, создать музыкальное произведение. Из такого же образа художник может создать картину, писатель написать книгу, поэт – стихотворение. Это как если бы тебе приснился очень красивый дом или дворец. Обычный человек его забудет, а архитектор может захотеть построить такой дом. Вот тогда-то и требуется ремесло, знание техники строительства.

Дорогие читатели! Присылайте и вы нам свои «наивные» вопросы о музыке! Мы передадим их Алексею Насретдинову и в одной из следующих газет опубликуем его ответы. А пять авторов лучших вопросов получат книжки издательства «Бослен»: «Буравчик на звуковых волнах» и «Буравчик в Греции» с автографом автора.

Стенгазеты благотворительного образовательного проекта «Коротко и ясно о самом интересном» (сайт к-я.рф) предназначены для школьников, родителей и учителей Санкт-Петербурга. Они бесплатно доставляются в большинство учебных заведений, а также в ряд больниц, детских домов и других учреждений города. Издания проекта не содержат никакой рекламы (только логотипы учредителей), политически и религиозно нейтральны, написаны лёгким языком, хорошо иллюстрированы. Они задуманы как информационное «тормошение» учащихся, пробуждение познавательной активности и стремления к чтению. Авторы и издатели, не претендуя на академическую полноту подачи материала, публикуют интересные факты, иллюстрации, интервью с известными деятелями науки и культуры и надеются тем самым повысить интерес школьников к образовательному процессу. Отзывы и пожелания направляйте по адресу: pangea@mail.ru или через диалоговое окошко на сайте к-я.рф. Мы благодарим Отдел образования администрации Кировского района Санкт-Петербурга и всех, кто бескорыстно помогает в распространении стенгазет. Отдельное спасибо Алексею Насретдинову за благосклонное отношение к традициям нашего проекта, а также редкое сочетание глубины проработки материала с непринуждённостью стиля изложения.

Related Images: